Alphonse Mucha e la filosofia della bellezza

La ricca mostra non solo consente di ripercorrere l’intera vicenda biografica e artistica di Mucha attraverso circa 150 opere tra dipinti, disegni, fotografie, manifesti e oggetti, ma offre anche l’occasione per approfondire il contributo che questo straordinario artista ha dato nel ridefinire il ruolo della donna nell’arte e nella società, e per abbracciare il suo percorso politico e filosofico di reinterpretazione della bellezza come veicolo di emancipazione, coesione e, in ultima istanza, di pace.

In mostra sono esposte opere figlie del contesto storico-politico collocato tra la fine dell’Ottocento e l’inizio del Novecento, caratterizzato da gran fermento sociale e culturale e da profondi cambiamenti nei costumi e nelle aspettative di genere, orientati alla rivendicazione di spazi di autonomia, partecipazione e libertà. L’arte di Mucha, con la sua iconografia ricca di simbolismi e archetipi, divenne un potente strumento di commento e di promozione di questi nuovi ideali, contribuendo a scardinare l’immagine tradizionale della donna relegata alla sfera domestica. Le donne di Mucha rappresentano la transizione dalla figura della “fanciulla modesta” ottocentesca alla “femme nouvelle”, la donna moderna, emancipata e protagonista della sfera pubblica.

 
La loro perfezione estetica – volti sereni, capelli fluenti, abiti leggeri e una abbondante decorazione di elementi naturali – si accompagna sempre a una dimensione interiore: le pose, che variano dal contemplativo al ribelle, suggeriscono una ricca vita emotiva e spirituale. Queste figure, allegorie della natura e della vita stessa, sono portatrici di virtù come la verità, l’amore, la giustizia, e incarnano una bellezza che nasce dalla concordanza tra mondo esterno e mondo interno, tra apparenza e integrità morale. Emblemi del perfetto equilibrio tra esteriorità ed interiorità, fragilità e forza, purezza e vitalità. I fiori che spesso le circondano non sono semplici ornamenti, ma simboli di rinnovamento, naturalezza e transitorietà, a sottolineare la connessione profonda tra femminilità e ciclicità naturale.

In linea con la sua propensione al progresso sociale, Mucha fu anche, contestualmente,  uno dei primi artisti promotori della democratizzazione della bellezza: in un’epoca in cui l’arte era spesso confinata nei salotti borghesi o nei musei, egli scelse di renderla accessibile a tutti, non solo alle élite, prediligendo il manifesto pubblicitario e la grafica come mezzi per portare l’estetica nella vita quotidiana, cimentandosi nella realizzazione di celebri cartelloni per prodotti di largo consumo, spettacoli teatrali e grandi marche, nel suo peregrinare tra Parigi e gli Stati Uniti.

Egli riteneva la bellezza un linguaggio universale, capace di superare le barriere linguistiche, culturali e politiche. Le sue donne, protagoniste dei manifesti, non erano solo simboli di prodotti o servizi, ma incarnazioni di un ideale di benessere collettivo.
Diffondere la bellezza-arte su larga scala significava per Mucha seminare valori di verità, amore e armonia, elevare lo spirito, educare il gusto e favorire la coesione tra le persone. Mucha in questo ravvisava un effetto domino a vantaggio del progresso dell’umanità, perché ogni individuo toccato dalla bellezza-arte diventava a sua volta portatore di valori positivi, chiave e contributo per una società più pacifica, ingranaggio di una sorta di “forza” capace di trasformare il mondo.

Questa visione si fece ancora più forte dopo il suo ritorno in Cecoslovacchia, quando mise il proprio talento al servizio della patria, nella causa nazionale ceca e slava. Il ciclo monumentale dell’Epopea Slava, realizzato tra il 1911 e il 1928 – un’opera pensata per unire il popolo attraverso la memoria storica e l’ideale di bellezza condivisa – è l’esempio più alto di questa missione nonché il suo indiscutibile capolavoro.
L’eredità di Mucha vive ancora oggi, nei cartelloni pubblicitari che popolano le nostre città e nell’idea, sempre attuale, che l’arte sia un bene comune, capace di unire, ispirare e pacificare l’umanità, e questa mostra – in cui è tangibile l’amore che il curatore Tomoko Sato e la coordinatrice scientifica Francesca Villanti hanno prodigato nel concepirla e realizzarla -, ce lo ricorda con un’intensità tale che è difficile ignorare la portata storica della sua poetica, e la profondità e la modernità del suo pensiero politico-filosofico.

(Virginia Nicoletti)